ХУДОЖЕСТВЕННОМУ РУКОВОДИТЕЛЮ КОЛАСОВСКОГО ТЕАТРА МИХАИЛУ КРАСНОБАЕВУ – 60

Сегодня, 5 ноября, художественный руководитель Национального академического театра имени Якуба Коласа, режиссёр Михаил Краснобаев отмечает юбилей – 60-летие со дня рождения. Конечно, в этот день он получит много поздравлений, цветов, подарков от коллег, друзей, близких и родных людей. Ну а мы хотим напомнить об отдельных эпизодах его творческого пути, наиболее яркие постановки.

ИСТОКИ

Родился он в Гродненской области, в деревне Лебёдка Щучинского района. Тяга к театру проявилась в нем ещё с детства. Вместе с другом они устраивали в школе и клубе концерты, где показывали свои мини-спектакли, которые придумывал сам юный Михаил. Это были скетчи, небольшие сценки. Тогда же он заметил бурную реакцию зрителя на свои выступления. И это понравилось, было приятно само ощущение обладания залом. Через много лет ему, уже артисту-коласовцу, довелось играть на сцене того самого сельского клуба, где выступал в детстве (это был спектакль «Цветки-ягодки» В.Ткачёва). На его желание связать своя жизнь с театром мать среагировала достаточно скептично: «Миша, Миша, и зачем тебе это?» Вместе с тем надо заметить, что его отец был довольно творческим человекам: умел играть на аккордеоне, писал маслом, пробовал сочинять стихи.

ПУТЬ К ПРОФЕССИИ

В Белорусском государственном театрально-художественном институте, куда он поступил после службы в армии, руководителем курса была знаменитая актриса Русского академического театра имени М.Горького, народная артистка СССР Александра Климова. Вели специальные дисциплины и такие мастеры, как Андрей Корсаковский (актёрское мастерство), Илья Курган (сценическая речь), Тамара Узунова (танец), Людмила Семашко (сценический бой). На одном курсе с ним учились Алесь Брысь (артист-коласовец, который рано ушёл из жизни), Наталья Аладко, Игорь Денисов (купаловец), Татьяна Попова (из Нового драматического театра). Дипломные спектакли ставили Борис Второв, сама Климова в тандеме с Августом Миловановым, тот же Корсаковский, Борис Луценко. В 1985 году дипломные работы просматривал главный режиссёр Коласовского театра Валерий Мазынский, ему понравился студент, и он пригласил его на работу в Витебск.

КРАСНОБАЕВ-АКТЁР

Михаил Дмитриевич полагает, что ему повезло с первых дней. Ведь сразу с приходом в театр ему доверили такую роль, как Сымон в знаменитом спектакле «Сымон-музыкант» по одноимённой поэме Якуба Коласа. Позднее, уже в качестве режиссёра, он и сам возьмётся за прочтение этого прекрасного произведения.

 

Он играл много, и все роли были для него любимые: Пётр из «Мещан» М.Горького, Артур из «Танго» С.Мрожека, Гортензио из «Укрощения строптивой» У.Шекспира, Грэй из «Алых парусов» А.Грина, Хома Брут из «Панночки» Н.Садур, Борейко – «Полюби меня, солдатик!» В.Быкова, Капитан из «Люти» А.Дударева. Ему было 25 лет, когда зрители увидели его в роли Ромео в трагедии «Ромео и Джульетта» в постановке Валерия Мазынского. В комедии Н.Гоголя «Ревизор» Михаил Краснобаев вышел в образе Хлестакова. На смену лирическим героям приходили комедийные, острохарактерные роли. Такие, как школяр Самохвальский в «Нестерке», которая перешла к артисту после преждевременной смерти Николая Тишечкина.

 

ПЕРВЫЕ РЕЖИССЁРСКИЕ ПРОБЫ

В 1996 году состоялся режиссёрский дебют Михаила Краснобаева – «Воробьиная ночь». Он обратился к творчеству Владимира Короткевича, своего любимого писателя. Взял для начала пролог «Паром на бурной реке» к роману «Нельзя забыть». Привлекла острая конфликтность, драматическая напряжённость произведения, сильные характеры, которые выявляют себя в ситуации морального выбора. Сам написал инсценировку. Сам же сыграл там роль Юрия Горова. Значительно позднее он инсценирует и воплотит всё произведение.

 

В том же году выпускает спектакль «Плачь, саксофон!» по пьесе молодого на то время Игоря Сидорука. Трогательная мелодрама на двух актёров, где впервые по-настоящему раскрылся талант Елены Шерепченко в роли молодой героини. Среди ранних постановок – также «Школа шутов» М.де Гельдерода (первый режиссёрский опыт на большой сцене), «Легенда о Володше» В.Маслюка. Это уже не воспринималось как разовый эксперимент.

...Молодой режиссёр постепенно набирал больший опыт и мастерство. В 2000-м году он получает грант Министерства культуры Республики Беларусь на стажировку в Москве в мастерскую народного артиста России, профессора Петра Фоменко.

ПОСТИЖЕНИЕ БЫКОВА

В 2001 году Михаил Краснобаев обращается к творчеству Василя Быкова, к его повести «В тумане». Жанр спектакля, который назывался «Выстрел в тумане», он определил как «драматическое действие о судьбе человека», что дало возможность укрупнить его философское, библейское звучание. Сам же исполнил центральную роль – железнодорожного мастера Сущени. С приходом фашистов его герой надеется переждать недоброе. Но это оказывается невозможным; и он делает выбор, через который, согласно  Быкову, только можно остаться человекам, либо стать выродком. Сущеня участвует в необдуманной, как и сам считает, диверсии, чтобы не посчитали «боякой» или «холуём», попадает в гестапо, а затем…

Поначалу казалось, что герой подготовлен к смерти как к чему-то предопределённому, в фигуре просматривалась покорность. Но в горячем блеске глаз, резких движениях жила и жажда жизни. Через всё действие  спектакля он старался уцепиться за любой, даже маленький шанс. Как режиссёр, Михаил Краснобаев сумел прекрасно раскрыть не только сюжетную канву повести, выстроить конфликт, но и подняться до философского обобщения проблемы «выбора» в пограничной ситуации, смысла бытия, жизни и смерти. Метафорическим было оформление спектакля: кроме чёрных кулис, зритель видел круглый обруч, с которого свисали верёвки и под который перед смертью вставал каждый из героев. Своего рода терновый венец – символ страдания и Восхождения.

ПО КОРОТКЕВИЧУ

В 2004 году Михаил Краснобаев переводится на должность режиссёра-постановщика. И сразу же обращается к произведению своего любимого автора – «Ладье Отчаяния», задумав её как музыкальную легенду. Благодаря в том числе таланту замечательного композитора Владимира Кондрусевича, спектакль имел большой успех как у взрослого зрителя, так и  у молодёжи. Он повествовал о духовной мощи и мудрости белорусского народа, символом которого выступал главный герой  Гервасий Выливаха. В этой роли сначала выступил Артём Бородич, а затем, после восстановления спектакля, Александр Базук. Он виделся режиссёру не какой-то иконой, а скорее простым смертным и вместе с тем человеком благородным. Его любовь к жизни, настоящей, земной, побеждает всё: церковную и королевскую власть, и даже смерть. С высоких постаментов (в буквальном смысле) к Гервасию сходили его «оппоненты»: епископ (Ю.Цвирко), королева Бонна (Н.Аладко, С.Жуковская), Перевозчик (Г.Лойко), Смерть (засл.арт.РБ Т.Лихачёва, Е.Шерепченко), чтобы проиграть в моральном поединке этому маленькому человеку.

 

Премьера спектакля «Леониды не вернутся на землю» по роману «Нельзя забыть» прошла в 2012 году. Может ли любовь передаться через кровь, войти в генетическую память человека? – спрашивают герои постановки. Может, если это – настоящая любовь… Спектакль был показан на форуме профессиональных театров «Театр Уршули Радзивилл» в Несвиже, на Днях белорусской письменности в городе Глубокое, а также являлся одним из претендентов на Республиканском конкурсе театрального искусства «Национальная театральная премия-2012» в Минске. Сегодня роль поэта Андрея Гринкевича играет артист Тимур Жусупов, роль Ирины Горовой – Юлия Крашевская. Критики писали о том, что режиссёр предпочитает романтическую стилистику существования героев, которые совершенно отдаются течению безудержных чувств. Художник Светлана Макаренко ввела в спектакль образ короткевичевского парома, который оторвался от берегов и шатается вправо-влево, будто щепка в водовороте, в поиске для себя какой-либо опоры. В таком же «шатком» темпо-ритме существует и главный герой спектакля Андрей Гринкевич.

 

Михаил Краснобаев идёт на смелые режиссёрские шаги, когда берётся за такие масштабные произведения, как, например, «Христос приземлился в Гродно» по одноимённому роману Короткевича. В нём хорошо проявил себя молодой актёр театра Дмитрий Коваленко. Он смог воплотить образ народного Христа, Юрия Братчика, который из мошенника и бродяги превращается в мыслителя, мученика, правдоискателя. И постигает непоколебимую истину: ««…укрепись в мужестве своем, сурово сей посев свой, не давай его затоптать, не надейся, что легко отдадут правду. Жди каждую минуту драки и плахи. Вот – вера. А другой нет». Спектакль можно по праву считать авторским. Ибо Краснобаев придумал и очень удачную сценографию. Несколько одинаковых деревянных сооружений, похожих на своеобразные кресты или противотанковые «ежи», превращаются и в стулья-скамьи, и в своеобразное ограждение, и в костёр. Не обошлось и без подвешенного колокола, который также вызывает множество ассоциаций.

 

«С КОМЕДИЯМИ Я РАБОТАТЬ ЛЮБЛЮ»

Так высказался Михаил Дмитриевич в одном из интервью. И действительно, его постановки в этом жанре имеют прочный успех у зрителя. Назовём самые известные: «За двумя зайцами» М.Старицкого, «Ищем тенора!» К.Людвига, «До третьих петухов» В.Шукшина, «Перебор» Х.Бергера, «Шутки» по Л.Родевичу, М.Чароту, Я.Купале, «Доктор философии» Б.Нушича, «Моя жена – лгунья» М.Мэйо и М.Эннекена…

 

 

В «Шутках» он объединил три разных водевиля общей сюжетной конструкцией. Герои одной пьесы переходят во вторую. Так, Евмен из «Никитиного лаптя» (Г.Лойко) совершенно логично становится любовником Молодухи (А.Куржалова, Р.Грибович) из «Лошадиного портрета». Это помогает создать определённую художественную целостность спектакля. В 2012 году спектакль приниал участие в V Всероссийском театральном фестивале «Русская комедия», где исполнительница роли Катеринки («Примаки» Я.Купалы) Юлия Крашевская получила диплом «Молодой талант».

 

Спектакль «За двумя зайцами», который имел успех и в Витебске, позднее показывался на гастролях театра в Санкт-Петербурге, Брянске, Орле, где также получил хорошие отзывы не только среди зрителей, но и в прессе.

 

ПРИОБЩЕНИЕ К ДУХОВНОМУ ИСТОЧНИКУ

В 2009 году Михаил Краснобаев обратился к образу белорусской святой, воплотив пьесу Ирины Масленицыной «Крест Ефросиньи». На эту постановку удалось добиться благословения Патриаршего Экзарха всея Беларуси, митрополита Минского и Слуцкого Филарета. Был выделен специальный президентский грант. Премьера прошла с успехом. В основе событий спектакля – 30-недельный период строительства Спасо-Преображенскага храма Свято-Ефросиньевского монастыря. Церковь была возведена в середине 12 столетия по благословению Ефросиньи зодчим Иоанном и сохранена до этого времени. Проблема исторической реконструкции тех событий заключалась в том, что до нас дошла только «Жизнь преподобной матери нашей Ефросиньи», составленная по списку 16 столетия со сборника Троице-Сергиевской лавры. Потому, по замыслу режиссёра, спектакль более напоминал не историческую драму, а исповедь. Образ игуменьи, которую играла заслуженная артистка Республики Беларусь Татьяна Лихачёва, представал мудрым и просветлённым, как и надлежит выдающейся личности, которая владела даром предвидения и необычной силой духа.

 

СКАЗОЧНЫЕ ИСТОРИИ

В течение своей творческой жизни режиссёр активно обращался к сказочному материалу. Дети – это будущие взрослые зрители, которые с течением времени придут в театр уже в другом качестве, когда сами, возможно, станут родителями. Насколько мы заложим в них ростки любви к прекрасному, настолько умного, чуткого зрителя мы в дальнейшем получим. Поэтому при выборе материала для таких спектаклей режиссёр обращается чаще всего к литературной классике. «Доктор Айболит» по известной сказке Чуковского и киносценарию Р.Быкова и В.Коростылёва, «Приключения Дюймовочки» П.Исайкина и «Снежная королева» Е.Шварца по Х.-К. Андерсену.

 

В прочтении Михаила Краснобаева сказка о Дюймовочке превратилась в настоящее сценическое зрелище с приметами шоу: музыка наравне с драматическими диалогами определяла стиль постановки и двигала действие. В декорациях царил активный зелёный цвет (соответствующий местам действия — полянке и болоту), в костюмах более пёстрая гамма и те же краски сочетались с розовыми и белыми у бабочек, бирюзовыми у Дюймовочки (художник Светлана Макаренко). Конечно же, свои нюансы привносил и свет. В музыке, которая также определяет главный конфликт спектакля между благородными и более низкими существами (её автором выступил витебский композитор Руслан Стабровский), лирические темы главной героини и влюблённого в неё короля Бабочек сменяли шутливо-шаловливые у жаб и жуков. Очень трогательными являются ироничные акценты, которые расставляет режиссёр, тот юмор, который заложен и в драматургическом материале. Возможно, потому наиболее выразительными в спектакле получились образы отрицательных персонажей, некоторые из них напоминали опереточных героев.

 

Очень эмоциональный и зрительский спектакль – «Снежная королева» Е.Шварца по Х.-К. Андерсену.В прочтении Михаила Краснобаева это добрая зимняя сказка, украшенная живописными декорациями Светланы Макаренко,  таинственной и весёлой музыкой Артёма Краснобаева и шуточными пластическими номерами Дианы Юрченко.

 

ПОВОРОТ К КЛАССИКЕ

В сентябре 2017 года Михаил Краснобаев становится художественным руководителем Коласовского театра. Он решает ряд важных задач. Во-первых, воспитание труппы на лучших традициях психологического театра, укрепление её талантливыми молодыми кадрами. Во-вторых, включение в репертуар качественных произведений мировой классической драматургии. Начинает он с постановки по пьесе М.Горького «Последние». И неслучайно. Ведь  и само произведение, и его сценическая интерпретация представляются заявкой на определённую художественную программу, поворотом к подлинному  психологическому театру.

Режиссёр детально и точно передаёт историю сложных отношений между родителями и детьми. И делает это в первую очередь через исполнителей. «Я стараюсь работать в первую очередь для артистов, чтобы их прежде всего раскрыть, они для меня главные. Какие-то режиссёрские придумки, фантазии – на втором плане, хоть они также важны», – признаётся режиссёр. Таким образом, в спектакле он работал в первую очередь над развитием сценических характеров. Через грусть, скуку, тоску, больную любовь к Якову Софья (Елена Шерепченко) переосмысливала своё отношение к детям: её изнуряли страх, беспокойство, жгучее ощущение вины перед ними. Поняв собственную неспособность нечто изменить, она устало становится на колени и просит у них прощения. Преображение своей героини Веры из наивной, неугомонной девчонки, с романтично-книжными идеалами, в циничную женщину – какое-то «потенциальное» сходство со старшей сестрой Надеждой – отлично продемонстрировала молодая исполнительница Анастасия Ревченко-Лукьянова. Потерю же иллюзий Петра относительно отца, который был для него моральным образцом, отлично показывали Роман Соловьёв и Алексей Анисеня. И это разрушение, эта катастрофа сознания выявлялась куда сильнее  влияния революционеров.

 

Центральный образ драмы – Иван Коломийцев, роль которого тонко исполнял Георгий Лойко. В спектакле он не настолько хитрый проходимец, но может исключительно талантливо оправдать собственные не самые достойные поступки и обвинить любого, кроме самого себя. И делает он это очень искренне, одержимо, едва ли не пафосно. Иной раз даже сомнения возникают: может, остаток совести у него всё-таки остался…

 

В финале спектакля, после смерти брата, Коломийцев (как, впрочем, и прочие отрицательные персонажи) не порывается сразу сойти со сцены. Режиссёр, в отличие от автора, оставляет всех обитателей дома вместе. Смерть будто объединяет их. На лица Ивана – растерянность, ошарашенность, даже подобие отчаяния. Возможно, в его душе тоже, вот теперь, что-то переменится…

Затем ставит западную классику – «Дурочку» Лопе де Веги. По его словам, он хотел создать «сказку для взрослых» – красивый спектакль о любви с шикарными костюмами, соответствующими позднему испанскому Ренессансу, декорацией, также стилизованной под ту же эпоху (художник Светлана Макаренко). Сценическое искусство развивается по спирали, и сейчас зритель уже немного устал от умышленной актуализации, осовременивания классических произведений. Ведь может случиться, что актрисы разучатся носить шикарные платья прежних времён, актёры – камзолы, да и дуэль на рапирах – уже почти исчезнувшее явление. Присвоить себе, сделать органическим для себя классический стихотворный текст также для молодых артистов хорошая школа. Если говорить о жанровом воплощении, то обращает на себя внимание желание режиссёра усилить лирическое течение, во всяком случае уравновесить лирические и комедийные моменты пьесы. Кроме этого, он точно выстраивает действенную линию произведения, ищет психологическую мотивировку поведения персонажей через их восприятие событий, других героев, стремится расширить объём характеров, в первую очередь центральных персонажей.

 

НОВОЕ ПРОЧТЕНИЕ КОЛАСА

Начиная работу над «Сымоном-музыкантом», Михаил  Краснобаев ощутил перекличку начала XX столетия с нашим прагматическим временем. Режиссёра волнует не только судьба художника, который борется за своё право быть свободным и независимым там, где правят бал деньги и власть, но и будущее белорусов как нации. Отсюда через весь спектакль проходит трагический образ Анны (арт. А.Ревченко-Лукьянова, П.Крашевская) не только как любимой Сымона (арт.Д.Коваленко), но и как поруганного Отечества, её языка, культуры, духовных корней, национального самосознания. В начале действия современная молодёжь, которая отреклась от своего языка, своих корней, вихляется в каких-то безумных танцевальных движениях. И тотчас на экране появляются автографы рукописи поэмы, живые коласовские строчки. И те же строчки, но записанные на листах бумаги, уже летят откуда-то сверху, заполняя всю сцену. Происходит какое-то мистическое преображение, некое чудо, когда Старик (нар.арт.Беларуси Т.Кокштыс) выхватывает из толпы фигуру молодого современного юноши и даёт ему читать коласовские стихи. Его одевают в белорусский костюм, и он превращается, по крайней мере, примеряет на себя образ Сымона-музыканта, который получил от Бога особенный талант и необычное понимание мира. Старик будто ведёт парня по дороге жизни, даёт силы в испытаниях судьбы, приобщает его к настоящей духовности.

 

Финал спектакля трагический, мрачный, он не оставляет надежды. Умирает изнасилованная князем и его шайкой Анна. И только в душе Сымона осталась незабвенная память о ней, о любви. И будто эта память, это светлое чувство помогает юноше встать с колен и «родить» бессмертные строчки, которые в начале спектакля читал Старик и которые оставил ему (всем нам!) как духовный завет.

 

Спектакль «Сымон-музыкант» был показан в 2019 году на Международном театральном фестивале «Белая вежа» в Бресте и Республиканском фестивале национальной драматургии имени В.Дунина-Марцинкевича в Бобруйске.

СПЕКТАКЛИ-ПРИТЧИ

Первой попыткой поставить пьесу-притчу был спектакль «Больница на краю света» по Христо Бойчеву. Михаил  Краснобаев, воплотив её как драматическую комедию, по его же собственным словам,  создаёт «три в одном»: «Есть от рождения заложенная в людях драма, которая показывается через яркую комедийную подачу. А третий элемент добавит зритель, так как каждый будет видить своё, свои ассоциации, в зависимости от жизненного опыта и культурного образования».

 

Когда смотришь этот спектакль, ловишь себя на мысли, что тебе и смешно, и грустно, скорбно почти одновременно. Ибо первый поверхностный слой с юмором, иронией по отношению к жизненным историям героев, их надеждам и иллюзиям открывает параллельную реальность. Это и история отдельно взятого маленького человека, и история больного мира, который уже дошёл до определённой черты, за которой небытие (об этом финал спектакля), и нашего общества. «Больница», откуда невозможно выйти, возникает и существует в спектакле на уровне метафорической ассоциативности. Спектакль оказался и зрительским, и получил хорошие отзывы у театральных критиков на Международном онлайн-фестивале «Театр@льный круг» в Липецке. Сейчас он прошёл отборочный тур и попал в финал «Национальной театральной премии».

Потом появился Мрожек (его абсурд близок к политической параболе, в в сущности, той же притче). Спектакль «Дом на границе» включает в себя две части – одноактные пьесы классика абсурдистской драмы – «Кароль» и собственно «Дом на границе». Режиссёр воплощает их в традиционной эстетике. Несмотря на «студийный» пролог, где в проёмах ширмы из резиновых лент появляются руки и лица актёров, которые будто вглядываются в зрителя. Дальше «игра» (как приём, способ актёрского существования) будто исчезает, и артисты достаточно правдиво, подробно, углубляясь в суть своих трагикомических образов и парадоксальных ситуаций, начинают проживать свои сценические истории. Похоже, режиссёра более интересует не форма, а мысль, которая заложена в каждой из одноактовок. Он углубляется в социальный, философский подтекст произведений. И главным для него является проблема выбора. В «Кароле» режиссёра интересует феномен предательства, отступничества интеллигентного, образованного человека от своих моральных, человеческих принципов под напором грубой, хамской, слепой силы, которая отрицает культуру и проповедует насилие. Режиссёр будто адаптирует текст и образы героев под те конкретные исторические и современные аллюзии, которые хочет вызвать у зрителя. В первую очередь это тоталитарные системы, режимы, вроде сталинского либо нацистского с их преследованием инакомыслящих, поиском и уничтожением врагов, вербовкой «сексотов» и так далее. Во второй части, что дала название всему спектаклю, – «Доме на границе» разговор идёт о маленьком человеке, которым легко манипулируют. Ведь у каждого из нас есть слабое место, на которое легко нажать, чтобы убедить в любой догме, любом идеологическом клише. Высшая цель, историческая справедливость, патриотизм, цивилизация, стратификация – есть бесчисленность слов в политической демагогии, которой можно одурманить, воздействовать на сознание, чтобы мнимые интересы государства, бессмысленный патриотизм стали важнее  жизни близкого человека. Последние события показывают, насколько остро и актуально звучит сегодня этот спектакль.

 

Теперь режиссёр работает над произведением Маркеса «Старый-престарый сеньор с огромными крыльями» в драматическом переложении Андрея Курейчика. По словам самого Михаила Дмитриевича, его привлекает та многослойность, которая заложена в притчах. Зритель, бывает, посмеётся, а в голове остаются очень серьёзные мысли. Но это очень непросто. Нужны и артисты, которые умеют это делать и ощущают материал на высоком профессиональном уровне. Это может быть, если они с режиссёром единомышленники. Премьера спектакля состоится 21 ноября, в день рождения Коласовского театра. Начало в 18:00. Приглашаем!

Национальный академический драматический театр имени Якуба Коласа
искренне, от всей души поздравляет Михаила Дмитриевича Краснобаева с юбилеем
и желает ему новых творческих свершений, самых рискованных экспериментов,
которые воистину двигают театр вперёд,
осуществления всех, даже самых несбыточных мечтаний и желаний,
крепкого здоровья, уважения коллег, любви и безграничной заботы близких и родных,
отличного  настроения, бодрости на долгие годы!

Добавить комментарий

Plain text

  • HTML-теги не обрабатываются и показываются как обычный текст
  • Адреса страниц и электронной почты автоматически преобразуются в ссылки.
  • Строки и параграфы переносятся автоматически.
CAPTCHA
Этот вопрос нужен что бы определить что вы не робот и придотвратить рассылку спама.
Image CAPTCHA
Enter the characters shown in the image.

 

ТЭАТР У САЦЫЯЛЬНЫХ СЕТКАХ

           

 

ІНФАРМАЦЫЙНЫЯ ПАРТНЁРЫ

           
          

X
Укажите ваше имя на сайте Нацыянальны акадэмічны драматычны тэатр імя Якуба Коласа.
Укажите пароль, соответствующий вашему имени пользователя.
Загрузка